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La evolución artística de la tecnología musical:
cómo los artistas siguen dando forma al futuro
En el panorama en constante evolución de la tecnología musical ha surgido una tendencia interesante: los propios músicos toman las riendas y contribuyen activamente al desarrollo de sintetizadores, cajas de ritmos, plugins VST y otras tecnologías musicales. Este cambio no solo transforma la forma de crear música, sino que también revoluciona las herramientas que usan los artistas.
Recientemente, en el Wallifornia Music Tech Summit 2023, BEATSURFING organizó un panel con pesos pesados: Che Pope (productor ganador del Grammy para Aretha Franklin, Whitney Houston, Carlos Santana, Destiny's Child, Lauryn Hill, Dr. Dre, The Weeknd, Diddy, Kanye West, etc.), FKi 1$t (productor multiplatino para Travis Scott, 2 Chainz, Mac Miller, Uzi Vert, Post Malone, etc.), Phazz (productor multiplatino y premiado para Orelsan, SCH, Oxmo Puccino, etc.) y Gareth Halsall (VP de Plugin Boutique, Loopmasters y Loopcloud).
Exploramos los catalizadores del auge de la tecnología musical impulsada por artistas y profundizamos en las contribuciones únicas que los artistas pueden aportar al desarrollo de software. Estos son algunos de los temas que surgieron en nuestra conversación.
Un cambio radical: Max for Live
Un catalizador que destaca para nosotros en BEATSURFING es la llegada de herramientas de desarrollo VPL como Usine Hollyhock, Reaktor, Max MSP y SynthEdit. Todas ellas estaban pensadas para que artistas y aficionados construyeran sus propias herramientas. Un gran paso fue la llegada de Max for Live en 2009, una innovación impulsada por Ableton. Max for Live fue una plataforma revolucionaria que permitió a los artistas crear sus propios patches MIDI, secuenciadores, efectos, sintetizadores y más para sus directos. Les abrió la puerta a la programación y al desarrollo de software sin necesidad de una gran formación previa.
Max for Live no era solo una herramienta: cambió las reglas del juego al abrir nuevas vías para que los artistas personalizaran su producción musical y sus directos. Su impacto sigue siendo importante hoy, ya que los artistas siguen aprovechando sus capacidades para crear soluciones de tecnología musical a medida e incluso vender sus creaciones en línea.
Contribuciones de artistas más allá del desarrollo tradicional
Cuando los artistas participan directamente en el desarrollo de software y tecnología musical, aportan una perspectiva única que los equipos de desarrollo tradicionales no siempre pueden replicar. Aquí es donde brillan sus contribuciones:
1. Los músicos tienen una visión precisa de lo que necesitan
Los artistas conocen su oficio a fondo y saben exactamente qué necesitan para mejorar su proceso creativo. Pueden identificar las funciones y herramientas concretas que elevarían su trabajo. Por ejemplo, un artista de música electrónica puede necesitar un plugin que ofrezca un enfoque novedoso para generar, modular e interpretar sonidos en tiempo real, en sintonía con su visión artística. No se trata solo de mejorar ideas existentes, sino de adoptar enfoques radicalmente nuevos para resolver problemas y abrir nuevas puertas.
2. Una mirada externa conduce a un diseño simplificado y centrado
Los desarrolladores suelen complicar el software con un exceso de funciones. Los artistas, en cambio, tienen muy claros los elementos esenciales que usan a menudo. El toque de un artista garantiza que el software sea sencillo, fácil de usar y se centre en lo esencial de su proceso creativo.
3. Cómo los músicos tienden puentes entre lo técnico y lo artístico
Los artistas que se aventuran en el desarrollo de software acortan la distancia entre lo técnico y lo artístico. Pueden comunicar con eficacia sus necesidades artísticas al equipo de desarrollo y traducir sus conceptos creativos en software funcional. Esta colaboración da lugar a herramientas artísticamente potentes y técnicamente sólidas.
4. Crear herramientas a medida para géneros musicales de nicho
En el mundo de la música existen innumerables géneros de nicho, cada uno con sus propias exigencias. Los artistas muy inmersos en estos géneros pueden crear herramientas especializadas que respondan a esas necesidades concretas. Por ejemplo, un artista especializado en ambient experimental podría desarrollar un módulo que genere paisajes sonoros complejos en tiempo real. O cuando Fki 1$t quiso hacer un plugin de batería de pen tapping, nos pusimos enseguida a trabajar en el plugin Lunchtable .
5. Los artistas usan la tecnología musical para amplificar la expresión creativa
En definitiva, los artistas contribuyen al desarrollo de la tecnología musical amplificando la expresión creativa. Amplían los límites, desafían las convenciones e introducen nuevas formas de pensar. Esta aportación artística da lugar a software que fomenta la innovación y la exploración artística. En conclusión, el auge de la tecnología musical impulsada por artistas está transformando la industria.
Catalizadores como Max for Live han permitido a los músicos tomar el control de sus herramientas creativas, dando lugar a software adaptado a sus necesidades artísticas. Los artistas aportan su visión única para que el software y la tecnología musical no solo cumplan requisitos técnicos, sino que también conecten profundamente con el espíritu artístico. Esta colaboración entre arte y tecnología promete un futuro apasionante en el que los músicos dan forma a sus propios paisajes sonoros.
Sabemos que puede dar vértigo lanzarse a la tecnología musical después de mucho tiempo en modo «artista». En BEATSURFING nos enorgullece convertir las ideas de otros artistas en apps y plugins innovadores. Si tienes una gran idea, no dudes en contactarnos por correo electrónico o en redes sociales. Nos encantaría conocer tus ideas y ver si podemos ayudarte a hacerlas realidad.
¿Aún no sabes si dar el salto a la tecnología musical? Echa un vistazo al primer plugin que lanzamos, 7DeadlySnares; quizá te inspire una idea para tu próximo proyecto.
¡Gracias por leernos!
el equipo de BEATSURFING
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