BEATSURFING
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ONHA - Le playback, c'est pas possible
12:35 min • Interview by Fabrice Blin • Recorded at the backstage of Ancienne Belgique
「ライブで演奏する音楽に関しては、ほぼ完全に自律した形で行えています。スタジオでマイクに向かって声を吹き込んだ瞬間の記憶を追体験しているような感覚で、曲をより深く生きることができているんです。」
ヒップホップと生楽器の演奏が融合するとき、そこにはしびれるような何かが生まれます
リエージュ出身のラッパーでありシンガー、そして2つの文化の誇り高き結晶であるONHA。彼は今、ベルギーで最も刺激的なライブパフォーマンスを着実に築き上げています。 ベルギーとコートジボワールのハーフであり、本人いわく「100%ベビーカルチャー」なONHAは、ただビートに乗せてラップをするだけではありません。Ableton Pushとフルートを担当するRoko、ドラムのTimo、そしてキーボード・ベース・ギターを弾きこなすDumbというバンドメンバーと共に、彼はステージのためにすべての楽曲をゼロから再構築しています。 その結果、オリジナルのプロダクションが持つエレクトロニックやトラップのDNAを忠実に守りつつも、全体の約80%が生演奏という圧巻のセットリストが完成しました。
このエピソードでは、 Live Check今回のエピソードで、ONHAは自身の道のりのすべてを語ってくれます。子供の頃にファットマン・スクープ（Fatman Scoop）の「Be Faithful」のビデオを見て、 「これをやらなきゃいけないんだ」「ラップのコンサートとはどうあるべきか」という再定義まで。バッキングトラック（同期演奏）を取り払い、すべてを生演奏で行うという決断。彼は、機材の話や、成長に伴う苦労（エレクトロニック・ミュージックにドラマーを加えることは、言うほど簡単ではないということ）、そしてAI生成音楽の時代において、なぜライブパフォーマンスがかつてないほど重要だと信じているのかを語ります。
彼はまた、今後の展望についても語ってくれました。観客とのリアルタイムなインタラクション、モーションキャプチャを活用したビジュアル、そしてライブセットに BEATSURFING を取り入れることで、パフォーマンスの最中にその場でメロディを生み出していく手法についてです。
再生ボタンを押すか、以下の全文書き起こし（トランスクリプト）をご覧ください。
全文書き起こし
もちろん、自己紹介をさせていただきますね。
みなさん、こんにちは。リエージュ出身のラッパー、オナ・オウェナチャ（Ona Owenacha）です。今はブリュッセルを拠点に活動しています。ベルギー50%、コートジボワール50%ではなく……「100%ベビーカルチャー」です。ジャンルやスタイルをミックスさせるのが好きで、ラップをベースにしていますが、歌も歌います。
ヒップホップに情熱を注ぐようになった、
Fatman Scoop（ファットマン・スコープ）とFaith Evans（フェイス・エヴァンス）の「Be Faithful」のミュージックビデオを見たんです。あの頭が大きくなる3Dのやつですね。それを見た瞬間、「ワォ！」ってなりました。そこからヒップホップへの衝動が突き上げてきたんです。「これだ、自分もこれをやりたいんだ」って。 それから、Disiz La Peste（ディジズ・ラ・ペスト）というフランスのラッパーがいます。彼はミックス（混血）なのですが、僕が聴いた中で、ミックスとして生きることについて初めて語ってくれたラッパーでした。社会の中で自分の居場所を見つけることがどれほど難しいか、彼は語っていました。 彼のおかげで気づかされたんです。僕はリエージュの非常に労働者階級な地区の出身で、そこでの生活は闘いだし、厳しくて複雑です。でも、それでも僕はポジティブな価値観を掲げているし、こうした「社会的決定論」から抜け出そうとしています。その時、「待てよ、僕もラップができるんじゃないか？」と思ったんです。Disiz La Pesteが僕の中に火をつけてくれて、ラップを始めました。今の僕がラップをしているのは、セリム氏（Disizの本名）のおかげなんです。
制作（プロダクション）の世界には、どのようにして足を踏み入れたのですか？
ラップを始めた頃、実は並行してプロデュース（楽曲制作）もやっていたんです。当時はFruity Loops、いわゆるFLを使っていました。その後、今のビートメイカーであるRokoに出会って、彼がAbleton（エイブルトン）を教えてくれたんです。
ライブショーはどのようにして形になったのですか？ あなたは、ラッパーとDJという構成（ラッパー・DJアクト）をとったことが一度もありませんよね……
ラップをステージでやり始めたときから、僕はラッパーとDJというスタイルにはあまり向いていなかったんです。僕の周りのビートメイカーたちは、みんな常に何かしらの楽器を演奏していました。 2019年にライブ活動を始めた当初から、僕たちは生楽器をミックスに加えたいと考えていました。最初はマルチプレイヤーのDumbと一緒に始めたんですが、ステージ上にはギター、ピアノ、ベース、そしてハイハットが一つありました。 セットの最後に演奏する大好きなトラップの曲があったんですが、そこでそのハイハットを使ったんです。するとみんな「うわ、本物のハイハットを叩いてる！」って驚いて。彼はめちゃくちゃ激しく叩きまくっていました。その瞬間、そこに「何か」があると感じたんです。 一方で、フルートを吹きながらAbleton Pushを操るRokoもいます。そこから僕たちは確信しました。「おい、もっと行こうぜ。ライブという側面を限界まで突き詰めたいんだ」って。
そこから、初期のセットアップをどのように進化させていったのですか？
最初はあの構成でスタートしたんですが、まだバッキングトラック（同期演奏）に頼り切っている部分があって、それが課題でした。 新しいプロジェクト「On n’a pas d’amis volants」のショーに向けて、「ラインナップにドラマーを加えてみないか」という話になったんです。そこで、リエージュ出身のTimoという素晴らしいドラマーが仲間に加わりました。 面白いのは、最初、僕たちはドラマーを入れることに全然乗り気じゃなかったこと。だって、これらはトラップであり、エレクトロニック・ミュージックですから。生楽器の音でそのエレクトロニックなエッジを「薄めたくない」と思っていたんです。 でも、Timoとチームを組んでみて気づきました。トリガーやドラムパッドなど、エレクトロニックなサウンドを再現するための機材は山ほどあるんだって。 僕たちは思い切って挑戦しました。その結果、今ではエレクトロニック・ミュージックでありながら、全体の約80%が生演奏というライブセットが出来上がったんです。これは、僕がずっと夢見ていた形です。
あなた個人にとって、「完全に生演奏（フルライブ）であること」にはどのような意味がありますか？
ライブで演奏する音楽に関して、ほぼ完全に自分たちだけでコントロール（自律）できるようになった今、以前よりもずっと楽しめています。自分の曲に対して、より地に足がついた感覚があるんです。曲を「生きる」ことができているというか。 ライブでパフォーマンスをするたびに、スタジオでマイクに向かって声を吹き込んだあの瞬間の記憶を、もう一度体験しているような感覚になります。それは本当に、力強い体験です。 だって、ステージで口パク（プレイバック）をしているラッパーを見かけることがありますが、口パクでどうやって本当に曲に没入できるというのでしょうか？それは不可能です。僕は昔から他のジャンルの音楽にも深く心を動かされてきました。ジャズやレゲエなどは、完全に生演奏で行うスタイルにとても適していますよね。 僕の中には常に2つの視点があります。DJとマイク一本だけで、荒々しく攻めるヒップホップのライブも大好きです。でも同時に、ブラスセクションやオーケストラをフルで引き連れてくるアーティストの姿にも惹かれます。僕自身の音楽に関しては、ライブで生演奏をすることは、もはや義務のようなものだと感じています。
AIで簡単に音楽が作れるようになった現状について、あなたはどう考えていますか？
AIもかなりの存在感を示しています。それはとても良いことです。でもその一方で、僕たちは人間が介在していない音楽はどこか空虚になってしまうということを、より一層強く示していく必要があります。生演奏の重要性はこれからますます高まっていくでしょう。AIの影響は天文学的というか、インターネットが登場した時と比較しても指数関数的だと感じています。遊びでSunoを使ってみたんですが…驚きましたよ！「母さんの人参」についての曲がたった1分で書けてしまうなんて。AIは本当に別次元です。でも、大切なのはその使い方を知ること。懐疑的になったり怖がったりしないための最善の方法は、その仕組みを理解することです。僕のビートメイカーであるPascal（パスカル）が、最初にSunoのことを教えてくれました。音を作り、ビートを生み出すのが彼の仕事なのにですよ。自分の仕事を奪いかねないAIについて彼が話している。そこには、これまでとは全く違う向き合い方があるんです。
Gemini a dit ステージで共に活動しているバンドのメンバーと、使用している機材について教えてください。
まず、Roko（ロコ）がいます。彼はAbleton Push、Toolbox、そしてシンセサイザーを担当しています。3Dビジュアルも彼が手掛けていますし、音楽はすべて彼が作っています。次にドラマーのTimo（ティモ）です。彼は生ドラムを使っているんですが、そのシンバルがすごいんです。ある特殊な砂から作られていて、水を使った製造工程についてのめちゃくちゃ興味深い話を聞かせてくれました。そして、マルチプレイヤーのDumb（ダム）です。彼はピアニストであり、ベーシストであり、ギタリストでもあります。彼はExpressive Eを演奏していますが、これはどちらかというとスタジオ用の楽器なんです。でも、その圧倒的な表現力に惚れ込んで、ライブで使うというギャンブルに出ました。彼はさらに、巨大な...
重厚なディストーション・ペダルをいくつも繋いだベースとギターも弾きこなします。この3人が、僕と一緒にステージに立つ最高の仲間です。
ソフトウェアに関しては、Omnisphere（オムニスフィア）や Random、Random Metal などを愛用しています。エフェクトについては Cheat Codes を多用していて、複数のエフェクトを掛け合わせることで、本当にユニークなサウンドを生み出すことができるんです。
そして面白いのは、ステージで使っている楽器はすべて、僕たちが
スタジオでも使っているということです。
フルライブ（完全な生演奏）に移行する上での技術的な課題は何ですか？
ドラマーが加わってから、一筋縄ではいかなくなりました。トラックからすべてのドラム音を抜き出し、各パートを書き出して、彼のRolandの電子ドラムに送らなければなりません。それに、彼が演奏する時、メトロノームのように完璧に一定というわけにはいかないので、うまくいかないこともあります。そうなるとアコースティック・バージョンを試すことになりますが、それはつまり、すべてのリアレンジをやり直さなければならないということです。 自分一人でライブができるわけではない、ということをみんな忘れがちです。一緒に動いてくれる音響エンジニアも不可欠です。以前は、すべての楽器をRokoのソフトウェア（彼はReasonを使っています）で管理していました。でも、彼は15種類もの楽器が入った信号を一度に送っていたんです。ミキシングの観点から言えば、それではうまくいきません。だから今は、トラックごとにパラ出し（マルチトラック出力）する方法を学んでいるところです。すべてが変わります。 レイテンシー（音の遅延）の問題もたくさんありました。Reasonのチームには心から感謝していますが、エンジニアのTimは時々、石と棒きれで火を起こすような、原始的で泥臭い解決策を強いられていると言っておきましょう。
ライブショーの未来について、どのような夢を描いていますか？
パスカル（Pascal）とは、ステージに BEATSURFING を取り入れることについてよく話しています。ぜひ導入したいと思っているんです。というのも、僕のようにラップと歌を同時にこなす人間にとって、iPadの上で指を滑らせるだけでしっかりとしたメロディを作り、ループさせ、観客と対話し、止めてはまた始める……といった操作ができるのは、素晴らしい選択肢（オルタナティブ）だからです。 それが次のステップですね。今はインターラクション（観客とのやり取り）のために少しオートチューンを使っている程度ですが、将来的にはもっと深く関わっていきたい。 それから、映像のプロジェクションもさらに進化させたいですね。Rokoとは、僕の体にモーションキャプチャー・カメラを取り付けて、僕が手を動かしたらそれが即座に Blender（ブレンダー）上で再現されるような、リアルタイムの演出をやりたいねと話しています。ぜひ実現させたいプロジェクトの一つです。
ライブに、作曲に、そして創造性に万歳！たとえ今は厳しい状況であっても、顔を上げ続けることが大切です。僕たち一人ひとりの中にある小さな炎を、絶やさないように。
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お楽しみに!
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